Arte, Indígenas, Moda

Em “Hearts of Our People”,, mulheres indígenas americanas recuperam seu espaço através da arte

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Original publicado aqui.

A arte se mostrou uma saída para um grupo de mulheres indígenas continuarem seus ofícios e manterem suas histórias tradicionais por séculos. Elas continuaram a criar e a desenvolver seus trabalhos até mesmo enquanto lutavam contra opressão, como nas residências e internatos em que muitas foram forçadas a viver ao longo do século 19 nos Estados Unidos, nos quais os colonizadores tentaram destruir sua cultura e assimilá-las ao modelo de vida branco e cristão. 

Hoje, suas obras são fortemente referenciadas na moda e no design, e muitas vezes sem reconhecimento; as artistas indígenas são frequentemente vítimas de apropriação cultural. Parece, sem dúvida, que relacionado a essa questão ainda não houve uma grande retorno para elas, como por exemplo, a criação de um grande museu dedicado a explorar essas mulheres – até o momento.

Em razão destas críticas o Instituto de Arte de Minneapolis (MIA) apresenta “Corações do Nosso Povo: Artistas Nativas Femininas”, a primeira grande vitrine para dar visibilidade às mulheres indígenas, tanto do Canadá como dos Estados Unidos, que foram repetidamente ignoradas no mundo da arte mainstream. Com curadoria de Teri Greeves e Jill Ahlberg Yohe, apresenta 117 objetos diferentes, todos feitos por mulheres nativas, que abrangem mais de 1.000 anos, incluindo pinturas, esculturas, roupas e muito mais. Uma das principais características é que as próprias artistas também variam em tribo e localização. 

Foto: Dan Dennehy / Cortesia do Minneapolis Institute of Art
Jamie Okuma and Keri Ataumbi, Adornment: Iconic Perceptions, 2014.
Foto: Charles Walbridge / Cortesia of The Minneapolis Institute of Arts
Jamie Okuma, Adaptation II, 2012
Foto: Cortesia do Denver Art Museum
Crow artist, Dress, 1930.
Foto: Gina Fuentes-Walker / Cortesia do The Smithsonian Institution
Sisseton Dakota artist, Table cloth, 1900
Foto: Tom Fields / Cortesia do Minneapolis Institute of Arts
Osage artist, Ribbon blanket, 1950.

O projeto tem tomado muito tempo para os curadores Yohe e Greeves. A dupla trabalha neste projeto há mais de quatro anos e, durante o processo de aquisição, eles trabalharam com um conselho consultivo de 21 artistas e acadêmicos nativos de diferentes regiões para garantir que a seleção final representasse a combinação certa e equilibrada de todas as regiões e etnias, “nenhum de nós poderíamos falar com autoridade sobre todas essas outras nações e etnias”, disse Greeves, enquanto Yohe acrescentou: “Para contar uma história tão rica quanto essa, não podemos contar essa história sem buscar outras fontes. A diretoria nos ajudou a garantir que fôssemos abrangentes no escopo.” Para atingir sua meta, os curadores dividiram a exposição em três temas: legado, relacionamento e poder.

No interior, as obras conseguem fazer justiça a essas grandes ideias. Power, por exemplo, chama a atenção em alta velocidade: um modelo do tipo El Camino totalmente personalizado, feito pela artista de mídia Rose B. Simpson, um Santa Clara Pueblo, abre o show. Com seu trabalho, Maria, se apresenta como uma cara de gasolina – algo visto como um passatempo muito masculino – então ela dá-lhe um toque de mulher indígena, equipando-o com decalques inspirados nas linhas encontradas nas cerâmicas Pueblo, que muitas vezes são feitas e dominadas por mulheres.

Em outra sala, uma pintura em grande escala, intitulada A Sabedoria do Universo, da artista Métis Christi Belcourt – pintada em um estilo pontilhado, para dar a sua tela a aparência de ser frisada – explora a relação entre os povos indígenas e a natureza. Nesta pintura os animais, plantas e água ocupam um lugar sagrado na vida indígena, e Belcourt refere-se especificamente às mudanças climáticas do século 21, pintando apenas as espécies que estão na lista de animais ameaçados do Canadá. É uma peça extremamente bonita com uma mensagem importante em seu núcleo.

Rose B. Simpson, Maria, 2014
Foto: Kate Russell

Enquanto isso, Legacy é um tema que percorre praticamente todas as peças do programa. Uma amostra de destaque é a joalheria colaborativa, intitulada “Adorno: Percepções Icônicas, da joalheira Kiowa Keri Ataumbi e do artista Shoshone-Bannock e Luiseño Jamie Okuma“, ambos com perfil para a Vogue aqui. Em um anel e colar de coquetel cintilante, Okuma pintou retratos de Pocahontas, com base em ilustrações históricas dela nos séculos XVII e XVIII; Ataumbi, em seguida, definem beading Okuma com metais preciosos, pérolas e pedras. São peças de moda fabulosas que re-imaginam uma figura histórica que há muito foi mal interpretada e estereotipada.

Em geral, as peças de moda mostram o quanto a arte indígena evoluiu e cortam qualquer mito de sua homogeneidade. Um vestido de jingle Anishinaabe e uma faixa de cabeça de contas dos anos 1900 evocam as silhuetas no estilo melindroso que dominaram o período de tempo, mostrando que uma peça tradicional pode até refletir as tendências atuais do dia. Outra peça de Okuma, um par de sapatos do tipo plataformas de Christian Louboutin, combina artesanato tradicional com um floreio ultramoderno.

Kay WalkingStick, Venere Alpina, 1997.
Foto: Kay WalkingStick / Minneapolis Institute of Art

Não podemos deixar de notar a relevância de um programa como “Hearts of Our People”, pois os direitos das mulheres estão cada vez mais sob ataque na América; leis controversas e draconianas, por exemplo, ameaçam por trazer debates como Roe v. Wade ao relembrar os traumas e todas as situações ruins vividas pelas mulheres indígenas, com intuito de conectar suas lutas por meio da solidariedade – o que é algo que Greeves acredita que esse programa pode oferecer.

“Esta exposição deveria ter iniciado em 2016, quando Hillary [Clinton] deveria ser a presidente. Então a eleição aconteceu ”, disse Greeves. “Eu percebi que tudo acontece por um motivo. Esse tipo de demonstração do efeito das mulheres nativas na arte americana, fazendo essa declaração agora e tomando uma posição sobre o poder das mulheres, está realmente revolucionando a medicina neste momento. Isso está acontecendo quando deveria estar acontecendo.

Anishinaabe artist, Jingle Dress and Headband, 1900
Foto: Courtesy of the Minneapolis Institute of Art

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